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miércoles, 22 de octubre de 2025

"Equivocaciones de boca y crepúsculo" Reseña literaria de Arturo Desimone

Por Marina Ducos

Aruba: una isla feliz, hasta que los poetas hablaron
Siempre he amado la poesía, no solo porque me llena el alma, sino también porque, en pleno siglo XXI con el ritmo acelerado de la vida moderna, sigue teniendo el poder de maravillarnos. A diferencia de otros géneros más extensos, su lectura es rápida y, aun así, en apenas unos minutos logra detener el tiempo y absorber por completo nuestra atención.
En Equivocaciones de boca y crepúsculo, Arturo Desimone nos ofrece un poemario que desafía las narrativas hegemónicas y pone en palabras las historias silenciadas de su tierra natal, Aruba. Publicado en una edición bilingüe en español y papiamento,
este libro se aleja del sentimentalismo y nos sumerge en un revisionismo histórico profundo y necesario.


La otra historia de Aruba

Lejos de la imagen idílica que se proyecta de Aruba como una isla feliz, Desimone nos invita a recorrer su historia desde una mirada interna, descolonizada y crítica. A través de sus versos, expone la marginación de los pueblos originarios,
afrodescendientes y mestizos, cuya memoria ha sido relegada en el relato oficial. Aquí, la poesía se convierte en una herramienta de resistencia y en un acto de rehistorización que confronta la visión eurocentrista impuesta por siglos de dominación.
Aruba, como muchas otras excolonias insulares, ha visto su identidad cultural moldeada por la industria turística, que exige una representación de felicidad y
exotismo para el consumo extranjero. Sin embargo, este poemario rompe con esa imposición y se adentra en las contradicciones y silencios que atraviesan la isla. La voz de Desimone emerge desde la periferia y desafía la narrativa impuesta por los centros de poder.
 

Papiamento: lengua de resistencia

Uno de los aspectos más significativos de Equivocaciones de boca y crepúsculo es su edición bilingüe en papiamento y español. El papiamento, idioma criollo hablado en Aruba y otras islas del Caribe, ha sido históricamente desvalorizado frente al neerlandés, la lengua de los conquistadores. Sin embargo, Desimone reivindica su
importancia y nos ofrece una traducción que permite a los lectores hispanohablantes acercarse a una cultura que, de otro modo, permanecería inaccesible.
El papiamento fue una de las primeras lenguas de la globalización, surgida del comercio y la colonización europea, pero también de la resistencia de los pueblos esclavizados. Su historia es testimonio de hibridación cultural, donde coexisten
elementos africanos, indígenas, ibéricos y neerlandeses. Como todo idioma sincrético, conserva sus misterios y contradicciones, pero es también una poderosa herramienta
de expresión y afirmación identitaria.


Lengua, identidad y tradición: los límites de la hibridación

En todos los procesos de hibridación existe una desigualdad entre las culturas, una asimetría de poder y de prestigio. Y en estos procesos, siempre hay algo que no se
deja hibridar, que resulta inconciliable. Se dan, entonces, relaciones simultáneas en el mismo espacio:

“Imposible llegar a un consenso. 
Imposible: tu dogma tan arubiano,
tan apreciado sobre si «dushi» es el mejor 
si no el único adjetivo
para todo lo que es bueno y santo 
bajo el vestido azul del cielo.
Dushi: un nombre para templar y aplacar
a todos y a cada uno de los elementos, asegurándonos 
que bajo la falda azul del cielo
nada nos sabrá amargo:
Ni el agua salada, ni el agua de lluvia,
aunque la caña de azúcar en estos suelos 
no se meza.
 
«Dushi» significa más bien todo lo que es maleable, 
tierno.”

(Polémicas sobre la filosofía de la dolce vita, vida dushi, p.89).

Desimone deja abierta la reflexión y el debate en su escritura, invitándonos a repensar la literatura y sus interdiscursos.


La memoria como herramienta para la construcción del futuro

Desde sus inicios, la poesía en Aruba ha estado marcada por una tristeza contemplativa, reflejo del aislamiento y el olvido de una isla que no encuentra su lugar en la historia oficial. Sin embargo, Desimone rompe con esa resignación y nos presenta un acto de resistencia literaria que rescata las voces olvidadas y las inscribe en un nuevo relato.
Las culturas latinoamericanas han desarrollado respuestas creativas a los impactos europeos, defendiendo un sistema de valores donde el centro es el individuo en su plenitud humana y social, con respeto a la diversidad cultural. Por ello, el discurso literario latinoamericano privilegia la memoria como un recurso clave para la construcción del futuro. La estructura del poemario recupera formas de la narración oral y de la mitología popular, reivindicando la memoria colectiva y las creencias
ancestrales de la región. A través de su poesía, Desimone no solo nos invita a cuestionar la versión hegemónica de la historia, sino también a repensar nuestra propia identidad como latinoamericanos.


Conclusión

Equivocaciones de boca y crepúsculo es, en definitiva, una obra que nos desafía a ver el Caribe más allá de sus playas paradisíacas y su supuesta "eterna felicidad". Nos
enfrenta con las heridas de la historia y nos ofrece una alternativa: la posibilidad de reconstruir el pasado desde el presente, utilizando categorías epistemológicas que den cuenta de la multiplicidad, conflictividad y contradicciones interculturales.
 
Si buscás una literatura que transforme, que te obligue a mirar más allá de lo evidente y a pensar críticamente nuestra identidad y nuestra historia, entonces este poemario es un punto de partida imprescindible. ¿Estás dispuestos a aceptar el desafío?


*Arturo Desimone nació y creció en la isla Aruba (Mar Caribe). A los 22 años se trasladó a los Países Bajos. Tras una breve estancia en Túnez en 2011-2012, donde viajó como corresponsal, se resituó en Argentina para investigar sus antecedentes familiares paternos argentinos. Fue uno de los primeros que tradujo la poesía de Rafael Cadenas y Blanca Varela al inglés.

 

miércoles, 5 de junio de 2024

"Doble acento para un naufragio" reseña de Yuleisy Cruz Lezcano por Hiram Barrios


Doble acento para un naufragio: 

Yuleisy Cruz Lezcano y la nostalgia como poética

Hiram Barrios


Decía Baudelaire que “El genio no es más que la infancia recuperada a voluntad”. Acaso por ello la evocación suele ser el instrumento predilecto del poeta. Quien escribe aspira a volver a la casa paterna, a la niñez, porque intuye que rememorar los primeros años de vida es habitar un refugio que nos abre las puertas de la poesía. Doble acento para un naufragio / Duplo sotaque para um naufrágio (2023) de Yuleisy Cruz Lezcano (Cuba, 1973) es un poemario que se lanza a esa recuperación de la infancia. Se trata de un libro que indaga en la memoria para buscar un asidero que permita entender el aquí y el ahora. Este libro puede leerse como la bitácora de un viaje existencia, pero también como una confesión que transita de la nostalgia por años de infancia y la patria perdida, a la gratitud por alcanzar un puerto de arribo, por la llegada a una nueva Ítaca.

            El mar, la ventisca, el oleaje y, por supuesto el naufragio, figuran como elementos que dan cauce a uno de los temas centrales: el dolor por la partida, pero también el anhelo de un regreso que llena de vitalidad el canto. El libro está conformado por cuarenta y cinco poemas en los que descuellan las imágenes tomadas del mundo marítimo, y más aún: del fluir del agua como símbolo dual de trasformación y permanencia:

Antes o después me iré.

Se quedará quien fui

sentada sobre una piedra,

mirando a orillas de un río

como tiemblan las hierbas.

            Los poemas de esta colección son también un balance de lo vivido, y sobre todo, de lo escrito; de la relación tan íntima que todo poeta establece (y enaltece) con el lenguaje como un vehículo con el que crea y recrea su mundo. El tema de la nostalgia no sólo se aprecia en las reminiscencias de la infancia o la memoria como función discursiva, sino también en la elección del español: Cruz Lezcano nació en Cuba, pero radica en Italia desde hace más de treinta años y es en la lengua de Dante en la que ha dado a conocer una obra literaria basta, que incluye libros de poesía y de narrativa. Volver a la lengua madre es de hecho el regreso nostálgico más profundo en este poemario.

En Doble acento para un naufragio / Duplo sotaque para um naufrágio también hay cabida para la contemplación del ahora, para la búsqueda de lo momentos que enriquecen el presente. Asimismo, para el homenaje literario, para la recuperación de las influencias o admiraciones que todo poeta lleva consigo y hace latente en su escritura. Pizarnik, por ejemplo, está presente como inspiración, pero también como introspección y punto de partida.

            Doble acento para un naufragio / Duplo sotaque para um naufrágio es, hasta donde tengo noticia, el primer libro de Yuleisy Cruz Lezcano escrito en español. Y es también el primero que publica fuera de Italia. El libro fue editado en Portugal por Edições Fantasma, y cuenta con una traducción al portugués a cargo del poeta y traductor Carlos Ramos. El prefacio corre a cargo de la poeta española María Calle Bajo, de quien recupero esta afirmación que suscribo plenamente: “Sus versos son esbozos de la más anhelada infancia cubana, sus estrofas desdibujan las pulsiones de juventud y en su nota dominante de madurez se erige la fragilidad del atesorado tiempo”.


Doble acento para un naufragio. Duplo sotaque para um naufrágio.
Prólogo de María Calle Bajo.
Traducción al portugués de Carlos Ramos.
Edições Fantasma, 2023.

 

LIBRO OLVIDADO
 
Sucede que estoy cansada
de ser humana.
Ocultas están las palabras
que dicen la verdad,
enterradas en la inmensidad:
Barreras, fronteras, infinito,
abismos, bosques, montañas,
aliento para bajar y escalar.
Sirve una llave
para surcar puertas abiertas,
un reloj despertador
para madrugadas despiertas,
indicación de un paraíso,
lugar donde despertar los sentidos
como niños, bailando.
Estoy cansada de seguir buscando
el lugar donde nacen hombres.
La marea miente,
en la playa saliendo
el mundo aborta su vientre,
esconde la llave para abrir
un jardín que espera.
Y yo cansada de esta quimera
me vuelvo holgada manta,
como un pájaro que canta
abrazo la atmósfera.
Como si otra en mí creciera,
aunque si no tengo frío,
brindo el calor mío,
aprendo la ley de la calidez humana.


 
IDA Y REGRESO
 
Antes o después me iré.
Se quedará quien fui
sentada sobre una piedra,
mirando a orillas de un río
como tiemblan las hierbas.
Me iré.
Se quedará mi oído secreto
con la cabeza inclinada
para escuchar
una canción apretada
en una gota de rocío.
Se quedará algo que fue mío
dentro el alma de una flor
protegida del frío.
Me iré,
pero cuando la noche duerma
despertaré con el llanto del viento,
sombra ligera,
en apariencia florecida.
Regresaré de nuevo a la vida
al reventar del alba
de un día cualquiera.


A ALEJANDRA PIZARNIK
 
Vi a Alejandra Pizarnik
en los ojos de un pájaro
sin árboles,
en las ramas de ese árbol
sin aquel pájaro,
como quien se quita del camino
con el ala tendida al aire inútil
y el pecho bien vacío
de los lugares del canto.
La vi, con el corazón roto,
pedir limosnas,
un poco de caricias,
con lágrimas gruesas
y ríos y ríos de llanto.
La vi en sus versos
con los ojos perdidos,
en una necesaria ciega omnipresencia,
sin conocer la ciencia
de decir adiós y seguir viviendo.
 
 
 
DONDE LADRAN LOS PERROS
 
Los perros llenan
el silencio de la muerte
con ladridos,
no para el oído,
mas para la posibilidad de perecer
en flujos donde pasa
el reflejo de la sangre.
La lengua rota de sueños de paz
es demasiado ligera para caer
pero puede ejercer su poder
en este occidente que habla para complacer
la obsesión de palabras
que no sacian
todas las mentiras, que engordan
más que un cabaret de pasteles,
llenos de azúcar y de mermeladas.

 

*Yuleisy Cruz Lezcano. (Cuba, 1973). Radica en Marzabotto, Bolonia. Emigró a Italia a la edad de 18 años. Realizó sus estudios profesionales en la Universidad de Bolonia, donde consiguió el título en Ciencias de la enfermería y obstetricia. Cuenta además con un segundo título en Ciencias biológicas. Trabaja en la salud pública. En su tiempo libre ama dedicarse a la poesía, la narrativa, la pintura y la escultura. Ha publicado los siguientes títulos: Pensieri trasognati per un sogno (2013), Fra distruzione e rinascita: la vita (2014), Diario di una ipocrita (2014), Vita su un ponte di legno (2014), Cuori Attorno a una favola (2014), Tracce di semi sonori con i colori della vita (2014), Sensi da sfogliare (2014), Piccoli fermioni d’amore (2015), Due amanti noi (2015), Credibili incertezze (2016), Frammenti di sole e nebbia sull’Appennino (2016), Soffio di anime erranti (2017), Fotogrammi di confine (2017), Tristano e Isotta. La storia si ripete (2018), Inventario delle cose perdute (2018), Demamah: il signore del deserto – Demamah: el señor del desierto (2019), L’infanzia dell’erba (2021) y Doble acento para un naufragio - Duplo sotaque para um naufrágio (2023). 

Su poesía es presente en distintas antologías y revistas sea italianas sea Internacional y ha sido traducida en distintos idiomas. Es miembro de honor del Festival Internacional de la Poesía de Tozeur en Túnez. Ha obtenido numerosos premios literarios en distintos certámenes tanto de Italia como del extranjero.

lunes, 26 de febrero de 2024

“Il quinto tempo” poemas y reseña del libro Paolo Parrini



No siempre es necesario explicar,
a veces solo necesitas elegir,
una mesa en desuso,
el silencio de la mañana
entre los mechones de pelo blanco.
No siempre es necesario decir y hacer,
sentado respirando café
detener el tiempo
y muerte.

***

Puede que nos lo hayamos perdido
en esa hora calurosa
de la tarde, cuando julio
cortó el grano y el polvo
el aire estaba denso.
Las gavillas cuidadosamente alineadas
presagio de otro nacimiento,
de otra primavera.

***

en una hoja seca
arrugado en la avenida
la vida del árbol expira
quien lo perdió.
Este sentimiento muere lentamente,
como una lluvia cansada
que baña intermitentemente el verde.

***

Gracias por el regalo,
por este día frío que pasa,
el sonido de la radio de fondo,
los escalofríos del amor y del hielo.
Todo contribuye a la creación,
a la aleatoriedad que se pide.
Nada sucede sin razon
Incluso este desayuno solitario,
también el camino entre dos alas
de vegetación y asfalto.
Gracias por reconocerte
por un momento
en la melodía que se desvanece
y en ojos húmedos.
En la mano que descansa sobre el corazón
y se deja llevar por el ritmo.

***

Otras voces apagadas
como el tuyo
para los que solo sienten agua
fluyendo fuerte
es un fracaso,
un paso por dentro,
un infinito.
Toca tus pestañas,
para finalmente verte abrir
los pétalos atormentados
y florecer.

***

Noche de invierno
experimentado con ventanas cerradas
sin olores.
Noche que se desvanece
en un vaso vacío
el anochecer sobre nosotros
manta fina.
Tu no estás aquí
para caminar conmigo,
Muros y silencio.
El cielo que quisiera encontrar,
nuestro tiempo
perdido.



“Il quinto tempo” de Paolo Parrini (Samuele Editore, 2023 pp. 92 13,00 €) admite el paso del tiempo como una concepción hermenéutica de la existencia y un modelo interpretativo de los acontecimientos, lleno de significados espirituales y emocionales. La poesía de Paolo Parrini examina la realidad, experimenta su inquietud y predice su soledad, explora el mundo suprasensible a través de la experiencia interior de un diálogo que es siempre una voz ardiente y una oración agradecida por la vida y su gran verdad. Las letras sugieren una reflexión íntima, siguen el pensamiento humano de las infinitas fragmentaciones del sentimiento, llegan a la esencia de los recuerdos, deteniéndose a escuchar las vibraciones que cada sentimiento otorga al sonido prolongado y auténtico de la palabra que da significado. Paolo Parrini preserva la declinación del retrato existencial como representación llena de extensión poética, romántica y lúcida, alejada del riesgo de desvanecerse en el desapego de la ausencia, mide la conciencia de la nostalgia en la proporción de los eclipses relacionales, concentra la fuente inagotable de inspiración del pasado, en la herencia conmovedora de la afinidad sincera, entre la entonación del paisaje y el relieve del alma. “Il quinto tempo” atraviesa la dimensión del devenir en la medida intuitiva y sensible de los versos, presenta el don de las imágenes en continua transformación hacia la naturaleza múltiple del espacio-tiempo, ilustra el intento de compartir la dirección de lo imperceptible, en el hilo tangible de revelación del vivir. Paolo Parrini elimina el polvo intermitente de la inestabilidad, conoce la revocabilidad del conflicto espiritual, busca la coyuntura consiguiente al paso del dolor, convive con la contingencia de la percepción, socava el vínculo de pertenencia entre las estaciones del ser y la cadencia cíclica de las apariencias. , traspasa el horizonte de la estética de lo efímero, declina el destino de la subjetividad humana en la ética cognitiva del desarraigo. Quita el vínculo de la confusión redimiendo la naturalidad y la espontaneidad del equilibrio con la naturaleza y la correspondencia de los afectos, cristaliza la visión de disolución junto a la inestabilidad desgarrada del dolor, orienta el consuelo taumatúrgico de la espera y la resistencia constante de la esperanza. “Il quinto tempo” deduce la condición metafísica de la memoria como lugar de comprensión terrenal y como tensión trascendente en la coherencia reflexiva de la madurez amorosa. La función elegíaca de la poesía de Paolo Parrini plasma la unicidad del hombre, marca las oscilaciones del corazón, modela las contracturas del frío presentimiento de la indiferencia, pasa por la transformación de impulsos oscuros en estallidos luminosos de deseo y promesas, expresa la relajación de cada contemplación. , declara sabiduría en la vacilación de lo inesperado. El camino del poeta se disuelve en el pavimento cambiante de cada viaje errante, en la contingencia de la dinámica personal, ve el itinerario emblemático y evocador de la dulzura, encuentra la melancolía carismática de la perplejidad. Paolo Parrini entrega al lector una obra completa, elegante y delicada, nos enseña que buscar algo dentro de uno mismo significa siempre renovar la proyección del mundo y de nosotros mismos, sugiere anteponer la continuidad a la fugacidad, como instrumento de conocimiento que alimenta el fuego. del arte persuasivo.

Rita Bompadre - Centro de Lectura “Arturo Piatti”
https://www.facebook.com/centroletturaarturopiatti/


*Paolo Parrini (1964), vive en Castelfiorentino. Se licenció en Ciencias Políticas con orientación histórica en Florencia en 1992. Tiene varias publicaciones poéticas: Quando cadranno i giorni (Ladolfi 2019), Oltre il buio della notte (La Vita Felice, 2019), Un uomo tra gli uomini (Ladolfi, 2020), Dentro tutte le cose c'è amore (Puntoacapo Editrice, 2021) Prima della voce (Samuele Editore, 2021). Entre los premios obtenidos: Premio Giovanni Pascoli L'ora di Barga en 2019, cuarto lugar en el Premio Internacional Città di Latina en 2019, cuarto lugar en el Premio Literario Città di Grottammare en 2020, finalista en el premio Michelangelo Buonarroti di Serravezza en 2021 , sexto clasificado en el Premio Internacional Città di Latina en 2021, segundo puesto en el Premio Literario Giovane Holden de Viareggio en 2022, cuarto puesto en el Premio Giovanni Pascoli L'Ora de Barga en 2022, finalista en el Premio Internacional Città di Latina en 2022.


jueves, 22 de febrero de 2024

“Tiembla todo lo vivo” reseña del libro de Eduardo Flores Arróliga

 


Tiembla todo lo vivo es un libro de nueve ensayos narrativos sobre el estremecimiento de la condición humana y la naturaleza en general. A través del diálogo con personajes conceptuales el lector queda envuelto entre temas sobre la errancia, la finitud y la interconexión con la naturaleza. Un texto que apuesta por la tradición del ensayo como forma de pensamiento y que abre la posibilidad de contar desde un lenguaje personal, narrativo y de crónica el enfrentamiento con las complejas fibras que constituyen la vida.

La poeta y ensayista mexicana, Mariana Bernárdez, menciona en el prólogo de este libro: “Si con el ensayo sobre Zambrano, nuestro autor señala la condición de la errancia y el deambular como eje del pensamiento, con el de Camus se asistirá a una disección minuciosa sobre el mito de Sísifo al punto de provocar un diálogo frontal con el lector que se prolonga con dos ensayos de magistral hechura, uno sobre el suicidio como ‘el difícil arte de irse a tiempo’ y el otro sobre la poesía de Rosalía de Castro que deshila la metáfora de la saudade-morriña-nostalgia-melancolía-matria presentes en la migración forzada. En este firmamento no podía dejarse de lado el Dios mineral de Spinoza o la zoología de Aristóteles, cuya categorización rasga los velos del azar para hallar la estructura de un orden que persiste hasta nuestros días; no podía faltar la figura de Nietzsche o el tema doliente del horrorismo ni la pregunta por el papel del profesor de filosofía porque el itinerario trazado es la aventura de Flores Arróliga cuando un día de mañana salió de casa en busca de la aurora”




* Eduardo Flores Arróliga. Managua, Nicaragua, 1989. Ensayista, investigador y profesor. Autor de los ensayos narrativos Tiembla todo lo vivo (anamá, 2023). Es doctor en filosofía por el Instituto de Investigaciones Filosóficas de la Universidad Michoacana de San Nicolás de Hidalgo, Morelia, México. Sus textos han sido publicados en periódicos y revistas latinoamericanas.

viernes, 17 de agosto de 2018

Secretos bajo la Cama de Shara María Bueno

(Por: Daniel Acevedo)




Reseña:


Cuando nos acercamos a “Secretos bajo la cama” de Shara María Bueno nos encontramos, de entrada, con un tipo especial de sensibilidad, marcada por una profunda perdida, un desgarramiento por aquello que se fue, y no volverá. La melancolía camina por los versos de Bueno, la memoria es un reloj inestable y la ausencia es un caballo negro que galopa por las riveras de la soledad. Ante esta imposibilidad del retorno y el olvido, “Secretos bajo la cama” antepone el cuerpo. Es allí, donde marcadas en la piel, están las huellas del otro ausente: el frío en los pies, las manos que resbalan como agua, la marca de los besos. También hay una materialidad, que Bueno llama en una imagen atractiva: “El cadáver que fuiste cuando me amabas”, la muerte recae aquí sobre todo lo que representaba el amor, solo quedan vestigios que habitan ese cadáver: los discos, las fotografías, los silencios.

Se anhela la necesidad de habitar al otro, una fusión que no está marcada solo por la danza de los cuerpos sino también por las palabras. El lenguaje es el territorio que hace posible la unión, el poema devuelve lo sagrado al ritual erótico. Se postula ese encuentro de dos pieles como una forma de combate contra el olvido, para permanecer en el cuerpo del otro por siempre. Es el pacto de entrega absoluta. Un intento de escapar a la monotonía de lo cotidiano y de no perder aquellos instantes de felicidad conjunta. También es un acto de sanación. Encontrar en los entresijos, en las cavernas, en las heridas la forma de habitar al otro y recrearse en su multiplicidad que le es propia.

“Secretos bajo la cama” se constituye entonces como una memoria del cuerpo, llevada al verso, con varios registros que levitan entre los reinos de Eros y Thanatos. Porque la muerte aparece aquí como el cierre final. La vejez es el preámbulo.  “¿Qué pasará con nuestra alegría? ¿Se escurrirá como la carne en los huesos?” se pregunta Bueno. Al final de la lectura queda esa incertidumbre de no poder conservar los recuerdos, del infausto y caótico paso del tiempo, en el que incluso el cuerpo se convierte en un “Cuerpo arrugado” y a lo último solo queda el desasosiego o la desolación.

Pero curiosamente tal vez la clave del enigma este en el poema “Arena”, donde ante el olvido siempre existe la esperanza de un nuevo comienzo. Tan sólo hay que extender la mano en medio de una playa lejana. Esa arena que, a su vez, es un elemento que se vincula con los juegos del tiempo, con las olas del mar que borran toda huella y la arrastran.

Querido lector, estoy convencido que, en estas páginas, encontraras algunos poemas que aunque evoquen un tema, la ausencia, que ha sido tratado por muchos poetas a través de los siglos, tiene la marca propia de una subjetividad rica en imágenes, sentires y pensamientos. Un poemario que bien hace honor a su título y se propone contarnos unos cuantos secretos recostados sobre la almohada.



POEMA DE SHARA:

LOS VESTIGIOS DEL AMOR
  

La imagen del poeta sentado en el suelo besando la cabeza de su amada,
causó el sueño erróneo de una vejez poco anhelada.
Escribir de ti
era solo un oficio sin pago,
pocos lectores
y demasiada soledad.
La intermitencia de los dos
hizo de nuestro paisaje
una pintura oscura con raros reflejos de luz.

¿Quién estaría tan desahuciado para poner en su sala las cenizas que ni alcanzaron a ser amor?
¿Quién en su más profundo sentir permitiría clavar en su pecho el dolor de la ausencia y la incertidumbre?

Creo que la pared de la sala luce bien,
combina con la enfermedad de mi pecho.



domingo, 3 de septiembre de 2017

Breve Historia de la Sangre

(Reseña de "Las Rutas de la Sangre" de Camilo Restrepo Monsalve)+


Por: Daniel Acevedo


De Camilo Restrepo se pueden decir muchas cosas, de su obra múltiple, de sus juegos con el lenguaje. Pero hay un solo adjetivo que no puede aplicársele: ingenuo. Su obra está llena de imágenes que denotan un desgarramiento, una experiencia de vida, un acercamiento muy profundo con los aspectos más inestables y caóticos de la miseria humana. La temática de la sangre, ciertamente, no es fácil de abordar, por el simbolismo que se aplica al líquido rojo vinculado a las batallas de los viejos héroes y a la violencia que, como un péndulo, se balancea sobre nuestra sociedad. Es fácil caer en las imágenes desgastadas de poetas que ya han escrito sobre el tema, pero las imágenes de “Las Rutas de la Sangre” son liberadoras, impactantes, refrescantes, plantean otra visión. Como, por ejemplo, pensar las venas del líquido rojo como “hilos de hierba crecidos del silencio”.

La obra lleva la sangre a espacios donde normalmente no la visualizamos como ese bosque idílico de “trasmutación del bosque” que es la morada de los muertos y la renovación de la vida. El lector siente fluir la sangre a través de los árboles y los pájaros, siente la decadencia y la podredumbre, que da luz, en un parto, a la vida que se transmuta. Todo esto sin que el poema haga explicita la sangre. No lo necesita. Ella está allí palpitando. La muerte y la vida se encuentran en la danza cíclica del tiempo. Y la sangre es el instrumento musical que se oculta tras el telón (o quizás es el telón mismo, desgastado y sucio). La música del bosque llega a nosotros a través del lenguaje en un acto único de amor por la vida que demuestra la madurez del proyecto del autor.

Las Rutas de la Sangre cumple con lo que promete: una serie de trayectos por la historia, los paisajes y nuestro propio cuerpo a través del líquido rojo que bombea por nuestras arterias y venas. Es un viaje difícil, pero necesario, una confrontación. Kafka solía decir que la buena literatura implica que un texto nos provoque pequeños temblores, que nos sacuda, que nos quiebre. Enfrentarse a las Rutas de la Sangre, es enfrentarse a nuestra historia, a un dolor que intentamos ocultar con una cotidianidad insulsa llena de paliativos y placebos que nos ofrece el mercado y la serpiente del capital. Eso es la “Escombrera”, un grito desde lo más profundo de la urbe, para recordar las víctimas de un pasado que aún vive, sin caer en lo panfletario, sino que las imágenes hablan por sí mismas y cuentan lo que pasó. No se necesitan contextos, las flores acusan al cielo por la masacre, como aquel judío de Auschwitz que escribió en las paredes que si existía un dios, era él quien debía rogar por su perdón.

El estilo de la obra es depurado y limpio. Hay un esfuerzo en construir un ritmo y una musicalidad que sean como una bofetada, un golpetazo que nos despierte de un sueño ilusorio. Las imágenes invaden fácilmente nuestros sentidos y nos llevan a aquellos territorios que la obra quiere mostrarnos, que van desde la sangre en nuestra cotidianidad, en el deseo, en la ciudad, en la naturaleza hasta su presencia en grandes personajes como Ulises, Vlad Tepes y Atila.  Al final la conclusión luego de leer las Rutas de la Sangre, es que el líquido carmesí ha sido motor y, a su vez, vestigio de nuestra historia, estará presente desde los primeros homo sapiens hasta el apocalipsis provocado, probablemente, por la estupidez humana. Bien lo dice Restrepo: “Cada gota es también un dedo de sangre que pulsa las teclas de la máquina en que se escribe la historia”